Katharina Wüthrich

Ausklang

Mit der Installation das wurZelt, ihren Büttine und der spartenübergreifenden Arbeit Das Blatt kann sich wenden rundet Katharina Wüthrich ihre Residency-Zeit ab. Angerissenes lässt ahnen, wie ihre Reise weitergehen könnte.

Herzlich willkommen zur

Finissage: Feitag, 28. November, 18h

Einleitung durch Myriam Dössegger, Kunsthistorikerin

 

Öffnungszeiten der Ausstellung

Freitag, 28. November, 18 – 21h

Samstag, 29. November, 13 – 17h

Sonntag, 30. November, 11 – 15h

Katharina Wüthrich ist während der Ausstellung anwesend.

 

Bildergalerie Katharina Wüthrich

 

Katharina Wüthrich: einnisten – eine Auslegeordnung

Ein gedanklicher Spaziergang

Geht man durch die Ausstellung einnisten – eine auslegeordnung von Katharina Wüthrich im Gepard14, dominieren gedeckte, erdige Farben. Sie reichen vom hellen Ocker der Artischockensamen, die stellenweise perlmuttartig schimmern, bis zu den satten Brauntönen von Eicheln und Bucheckern. Ein wiederkehrendes Element ist das Bienenwachs, das als Bienenwaben hellgelb und in verarbeiteter Form dunkelgelb wirkt. Es gibt Arbeiten auf braunem Kraftpapier, hölzerne Bienenwabenrahmen, trockenes Laub und Pilze von Spaziergängen in der Umgebung. Kühles Grau durchbricht die erdige Wärme, präsent in zahlreichen Metallbehältern und einer grossen Arbeit auf Zeitungspapier. Auf den ersten Blick schwarz-weiss wirken die Drucke von Mikroskopaufnahmen, bevor man genauer hinschaut und ein kräftiges Grün und Violett entdeckt. Das kräftige Grün ist auch präsent in den Sämlingen, die in der Ausstellung wachsen. Einen weiteren Akzent bilden die Blautöne von Himmel und Wasser. Damit ist ein erster Rahmen abgesteckt, die Natur bildet den Ausgangspunkt, liefert Materialien und Bilder.

In der Mitte des grossen Raumes steht ein Arrangement aus fünf metallenen Zubern, die „Bütti“. Über den Zubern hängen kleinere und grössere Stücke von getrockneten Artischockenherzen, die wie pelzige Flugkörper wirken. Der grösste Zuber ist gefüllt mit Artischockensamen. Bei unserem Rundgang greift die Künstlerin mit beiden Armen in den Zuber und türmt die federleichten Flugsamen zu einer luftigen Wolke auf. Sinnbildlich überfliesst sie in die anderen Zuber, in denen frisches Grün spriesst. Die Eicheln stammen aus der unmittelbaren Umgebung des Ausstellungsraums. In einem anderen Zuber erwacht eine Vogelfuttermischung zum Leben. Die Samen faszinieren durch die Fülle ihrer Erscheinungsformen. Manche sind klein und mit unterschiedlichsten Flugmechanismen ausgestattet. Die Kerbelsamen sammelt Katharina Wüthrich als natürliches Konfetti, in einer Videoarbeit wirbeln Ulmensamen wie Schneeflocken im Wind. Andere sind rund, glänzend und schwer, wie die Eicheln, die grösseren Lebewesen als Nahrung dienen. Wenn sie nicht selber fliegen können, lassen sie sich von Tieren in alle Himmelsrichtungen tragen. Die Samen bergen einen scheinbaren Widerspruch in sich. So vertrocknet sie oft wirken, bergen sie doch ein immenses, verborgenes Potenzial. Sie stehen für den Kreislauf der Natur und die Hoffnung für die Zukunft.

In einem weiteren Zuber blickt man auf einen Bildschirm hinunter, der von einem Kranz aus Bucheckern, Eicheln und anderen Samen umgeben ist. Grashalme bewegen sich im Wind, Wolken ziehen vorbei – blickt man auf die Reflexion einer Teichoberfläche, auf der das Pflanzenmaterial schwimmt? Bei näherer Betrachtung offenbart sich das Gesehene als Blick von der Erde, vorbei an den Grashalmen in den Himmel. Paradox, wie einem der Himmel in dieser Umkehrung der Perspektiven zu Füssen liegt. Mit der Umkehrung spielt die Künstlerin auch in anderen Arbeiten. Ihr Blick richtet sich sowohl auf die kleinen Details wie auf die grossen Zusammenhänge. Die Reflexion darüber wohin wir gehen und wie wir leben ist ihr ein wichtiges Anliegen. Darauf verweist der Inhalt des fünften Zubers. Auf einer Wasseroberfläche schwimmt ein Stück Bienenwachs mit einer magnetisierten Nadel – ein Kompass aus einfachsten Mitteln. In einer Zeit, die von technologischen und gesellschaftlichen Umbrüchen, politischer Polarisierung und einem Nachlassen des Gemeinschaftssinnes geprägt ist, hat sie das Bedürfnis, sich zu zentrieren und sich auf das zu besinnen, was ihr wichtig ist.

In den Ecken liegen zwei weitere umgekippte Zuber, die als Projektionsflächen dienen. Im einen wieder der Blick in den Himmel, diesmal vorbei am emsigen Treiben der Bienen. Darüber ziehen in ruhiger Bewegung die Wolken vorbei. Der Kontrast zwischen den weissen Wolken und dem Blau des Himmels erinnert die Künstlerin an die ersten Aufnahmen der Erde aus dem Weltall. Diese ganz neue Perspektive auf die Erde, die plötzlich so wunderbar bunt, klein und verletzlich wirkte, bewegte die Menschen und motivierte viele, der Natur mehr Sorge zu tragen, ihre Kostbarkeit zu verstehen und den Blick auf das grosse Ganze zu richten. Wir leben alle unter dem gleichen Himmel, richten unseren Blick am Tag auf die Wolken und nachts auf die Sterne. Die Bienen stehen für das Transzendente. Sie sind eingebunden in den Superorganismus des Bienenstocks, eine einzelne Biene überlebt nicht lange. Was, wenn sich die Menschen in ähnlicher Weise als Teil einer Gemeinschaft verstehen würden, die aufeinander angewiesen ist und sich für das Wohl der anderen einsetzt?

Seit rund 15 Jahren pflegt Katharina Wüthrich als Imkerin ihre eigenen Bienen. Bei manchen der Werke haben sie mitgearbeitet. In Rahmen, die mit verschiedenen Gegenständen bestückt sind, haben sie ihre Waben gebaut. Die Bienen haben dabei ihren eigenen Kopf und unterschiedlich auf die Gegenstände reagiert. Die von der Künstlerin aufgeschlagene Seite von Max Frischs Roman wurde zu winzigen Papierfetzchen zerkleinert, rechts ist nun eine andere Seite aufgeschlagen, während sich auf der gegenüberliegenden Fragmente verschiedener Seiten in einer natürlich anmutenden Struktur überlagern. Manche Objekte werden eingebaut, bei anderen haben die Bienen lediglich den freien Platz genutzt. Die Seekarte ist komplett verschwunden, die Banknoten blieben unangetastet. Wie kleine Inseln wirken manche der unfertigen Waben und finden ihren Widerhall in den goldgelben Inseln der hinterlegten Seekarten.

Einmal aus den Waben herausgelöst und eingeschmolzen, ist das Bienenwachs ein vielseitiges Material, das weich und formbar ist und als Kerze Licht spenden kann. In einer Videoarbeit schwimmt es zur golden glänzenden Kugel geformt auf dem Wasser. Ein rätselhaftes Objekt, fast als wäre die Sonne in den Teich gefallen. Gleichzeitig magisch und fragil wirkt die Kugel, ob sie nicht schmilzt in der Sonne? Dann würde ihr die Quelle ihres goldenen Schimmers zum Verhängnis.

An anderer Stelle findet sich das Wachs zu Barren geformt, die wie Goldbarren auf einer Metallplatte aufgetürmt sind. Die Barren sind kostbar, ein Geschenk der Arbeit von unzähligen Bienen. In Nachbarschaft mit dem Kompass regt die Arbeit dazu an, den Wert der Dinge zu hinterfragen, in einer Zeit, in der die Schlagzeilen von mächtigen Multimillionären geprägt werden.

Daneben scheint das Bienenwachs aus einer Fischbränte auf den Boden geflossen zu sein. Auf die Bränte projiziert wird eine Videoaufnahme von violett schimmernden Fischen. In der statisch gefilmten Aufnahme sieht man das Wasser des Flusses vorbeiziehen, während die Fische die kleine Projektionsfläche nicht verlassen. Sie schwimmen gegen den Strom, um an der gleichen Stelle zu verharren – treten sie sprichwörtlich auf der Stelle? Sie wirken wie in der Installation gefangen. Auf die Gefangenschaft verweist auch die Bränte, die dem Fischer zum Transport seiner Beute dient. Das erstarrte Wachs hält sie an Ort und Stelle. Doch die Perspektive lässt sich umkehren. Die Fische sind frei, sich im Fluss zu bewegen. Trotz der bewegten Umgebung wählen sie den Stillstand. Die Fische sind an die fliessende Bewegung des Wassers angepasst, sie kämpfen nicht dagegen, sondern ruhen sich gerade aus und es ist ihre besondere Fähigkeit, inmitten des reissenden Stroms still zu stehen.

Das Wasser spielt in einem weiteren Zuber die Hauptrolle. Auch hier blickt man auf die bewegte Oberfläche eines Flusses. Die Wellen scheinen sich am rostigen Grat einer Kerbe zu brechen. Ein hypnotisierendes Spiel von Grund und Projektion. Dazu hört man eine Tonspur, in der die Künstlerin alle in der Schweiz zugelassenen Pestizide liest. Die Arbeit macht darauf aufmerksam, dass viele Pestizide nicht dort bleiben, wo sie eingesetzt worden sind und ihren Weg ins Wasser, in die Pflanzen und Körper von Mensch und Tier finden.

Katharina Wüthrich spricht sich dafür aus, dass wir unsere Handlungen mit Bedacht wählen. Auch die Worte, die wir sprechen. In der grossen Wandarbeit geht es um letztere, die Worte, die wie Samen im Wind verwehen oder auf fruchtbaren Boden fallen und Wurzeln – oder auch Wellen schlagen können. Die Kreise deuten die konzentrischen Kreise auf dem Wasser und Schallwellen an. Sie bewegen sich über eine Lage aus Zeitungspapier, deren unzählige Wörter und Schlagzeilen von bewegten Zeiten sprechen. Ausgangspunkt für die Arbeit war das Vorhaben, einen Text über das gedankliche Bild von Wörtern als Samen zu schreiben. Die Wandarbeit dient als Illustration zum Text und gibt Gelegenheit zur Reflexion.

Manche der Arbeiten sind ein Wagnis. So das Wurzelzelt im kleineren Raum. Eineinhalb Wochen vor der Ausstellung ist die Mitte des Zeltes kreisrund vom frischen Grün jungen Grases bedeckt. Es gilt das richtige Mass an Feuchtigkeit aufrecht zu erhalten, damit die Pflänzchen weiter gedeihen. Bei dieser Arbeit stehen die Wurzeln im Zentrum der Aufmerksamkeit. Das Zelt soll für die Ausstellung aufgerichtet und begehbar werden, sodass man unter die Grasoberfläche treten kann und von den Wurzeln umgeben ist. Damit wird ein elementarer Teil des Lebens der Pflanzen sichtbar, das uns sonst verborgen bleibt. Neben den Samen sind die Wurzeln ein Thema, mit dem sich die Künstlerin aktuell intensiv beschäftigt.

Andere Arbeiten sind noch im Prozess der Entstehung. Mikroskopische Aufnahmen von Artischocken begrüssen die Besuchenden am Eingang. In den winzigen stachelartigen Elementen spiegelt sich das Erscheinungsbild der ganzen Pflanze wider. Die sichtbar gemachte Struktur wirkt textil, wie eine Weberei vielleicht. Diese Beobachtung führte die Künstlerin zu einer Reihe von Zeichnungen, die mit textilen Elementen kombiniert werden. Sie greifen Strukturen aus der Natur auf, die zum Teil von blossem Auge sichtbar sind, zum Teil nur durch die Vergrösserung durch das Mikroskop. Eines der Muster stammt von der Unterseite eines Baumpilzes, den Katharina Wüthrich auf einem Spaziergang in der Umgebung gefunden hat.

Einiges ist noch offen. Wie geht es mit den Zeichnungen weiter? Hält die Zeitungspapiermasse auf der grossformatigen Arbeit? Wo führen die Spaziergänge, die Beobachtungen, die Experimente hin? Welche Verbindungen zwischen den Dingen offenbaren sich? Wie spinnen sich die Geschichten und Assoziationen in den Räumen weiter?

In der ganzen Ausstellung präsent sind eine gewisse Sorgfalt und eine Zartheit der Materialien, der Beobachtungen und Prozesse die zu den Arbeiten geführt haben. einnisten – eine auslegeordnung ist ein sensibles Plädoyer für eine Reflexion der eigenen Perspektive und für mehr Sorge zur Natur.

 

Text: Myriam Dössegger, Kunsthistorikerin

 

 

 

 

Katharina Wüthrich

Einblick

Sonntag, 9.November 2025, 14 – 20 Uhr

Die Künstlerin lädt ein zum Verweilen in ihren neuen Abeiten.

Dazu gibt es ab 18 Uhr Musik mit der Band 

Immergrün 

Jessica Maurer Gesang

Jens Fritz Piano

Theo Känzig Bass 

Marcel Roth Schlagzeug

Albrecht Neftel Flöte

Finissage mit der Abschlussausstellung, 28. – 30. November

 

 

 

Katharina Wüthrich

einnisten

Ausgehend von dem, was Katharina Wüthrich in diesem Jahr bereits geschaffen hat, macht sie sich auf den weg in ihre residency-zeit.

Herzliche Einladung diesen Aufbruch zu feiern mit einer ersten Auslegeordnung ihrer Bienenwachsarbeiten und der Installation zusammen samen

Samstag 11. Oktober 2025, 14 – 18 Uhr,

Lesung: Spoken Word mit Ktharina Wüthrich um 15 Uhr

Ausblick:
Einblick, work in progress, 9. November 14 – 20 Uhr

Konzert ab 18 Uhr mit Immergrün Jessica Maurer Gesang, Jens Fritz Piano, Theo Känzig Bass, Marcel Roth Schlagzeug, Albrecht Neftel Flöte

Finissage mit der Abschlussausstellung, 28. – 30. November

 

 

 

 

 

 

 

Antonia Erni

all you can eat

 

Freitag 19. September 2025, ab 18 Uhr

 

Performance von Antonia Erni 19 Uhr

 

mit einer Einführung durch 

Mathias Kobel, Kunsthistoriker

 

all you can eat spielt mit der Lust Parameter zu verschieben

und Gewohnheiten zu irritieren.

Mit einem Augenzwinkern verfolgt all you can eat

diese Idee konsequent bis zum letzten Stück.

 

Text zu der Performance von Antonia Erni, Gepard 14, 19.09.2025      

LE MENU

Ich heisse Sie herzlich willkommen zur Performance «all you can eat» von Antonia Erni.

Der unabhängige Kunstraum und Prozessort Gepard 14 wird während den nächsten Stunden zu einem Ort der Transformation. Idealerweise stellen Sie sich gerade vor, den Kunstraum als solchen gedanklich zu verlassen und in einem Restaurant zu sitzen oder in einem Hotel an der Bar zu stehen. Sie werden Teil der Aktion von Antonia Erni sein. Ohne zu viel zu verraten, erleben Sie in einer verdichtenden Form die Früchte eines mehrtägigen Aufenthalts der Künstlerin an diesem Ort. Das Programm des Abends teilt sich in drei Akte, ähnlich eines Speisemenüs mit mehreren Gängen: Vorspeise, Hauptgang, Dessert.

JAGEN UND SAMMELN

Unzählige Möglichkeiten, Ideen und Wege erzählen die abenteuerliche Geschichte der Nahrungssuche von Mensch und Tier. Es gibt Essbares und nicht Essbares. Auch die Vor- und Zubereitung des Essens kann eine Eigendynamik entwickeln. Jagen und Sammeln, Blanchieren und Flambieren, Abschmecken und Backen: ein Strauss an Einfällen für den Kochvorgang. Ein ständiges Abwägen zwischen Inhalt, Form, Aroma und Aggregatszustand.

«AMUSE BOUCHE»

Der Tisch ist gedeckt. Die akurat gefaltete Serviette liegt neben dem Besteck welches aus Teig geformt wurde. Das Wasserglas aus Wasser beginnt schon zu schmelzen. Die Unebenheiten und Oberflächen der rustikalen Gefässe reizen die taktilen Sinne. Darf ich die Objekte berühren? Um den Tisch herum befand sich vor wenigen Tagen noch die Arbeitsfläche der Künstlerin. Fein säuberlich aufgereit die Backpulvertütchen neben dem Schwingbesen und der Spaghetti-Lakritze. Ein kleiner Gruss aus der Laborküche.

PAS DE CARTE

Die künstlerische Arbeit von Antonia Erni beinhaltet viele Ebenen. Ort, Raum, Erinnerungen und Interaktion sind Parmeter ihrer oftmals in situ entstehender Aktionskunst. Je längers je mehr sind es auch Elemente des Theaters: eine Handlung, ein Ablauf, eine Bühne, kein Skript. Der Arbeit kann ein längerer Prozess vorausgehen, wobei Ideen hinzukommen oder sich zuerst fixierte Bestandteile der Performance wieder auflösen. In ihrer hier präsentierten Aktion steht dies als Gegensatz zu den opulenten, orchestrierten Kochrezepten des Fin de Siècle oder der Haute Cuisine.

DAS VERZEHRLOKAL

Vor den grossen Kinderaugen türmen sich die feinsten, leckersten Speisen und Süssigkeiten auf nicht endenden Buffets und Tischen. Eine Erinnerung aus der Kindheit der Künstlerin. Als das Konzept der ersten All-you-can-eat-Restaurants auch in der Schweiz ankam, führte dies zu einer kleinen Revolution: sich selber am Buffet bedienen und soviel essen wie man möchte zu einem unschlagbaren Tiefpreis – ein Schlaraffenland. Antonia Erni wird dieses Konzept heute Abend ad absurdum führen. Ein gedeckter Tisch, ein Mixer, die Wandvitrine bilden Teile einer Art Tryptichon im Raum. Im Zentrum steht der Esstisch. Vielleicht gibt es einen Tischservice. Wo sind die Kellner und die Tellerglocken? Lassen wir uns überraschen.

Mathias Kobel

 

Bildergalerie Fotos von Bruno Schmidlin

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Bildergalerie

 

 

 

 

 

Rebecca Schmid

Musenflug.

Die Meerjungfrau mit den gestohlenen

Hörnern von Hathor und Isis und wie sie

dem Teufel entkam,

um mit Frankensteins Braut Tee zu trinken.

This is a promise with a catch.

Vernissage: Freitag 31.Januar 2025 ab 18 Uhr

Öffnungszeiten:
Samstag, 1. Februar : 12-18 Uhr
Sonntag, 2. Februar : 12-18 Uhr         

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Musenflug
Ich stehe, mit Gelato in der Hand, hinter einem Busch, vor mir eine Kirche und ein Priester im violetten Gewand. Zwei Anzugsmänner tragen einen, mit Blumenbouquets geschmückten, Sarg aus dem Tor. Die Glocken läuten. Die Trauerfamilie schluchzt. Sie bekreuzigt sich zum Abschied, dann geht sie. Und auch der Priester geht zurück, durch das schwere Kirchentor, in seine Kirche, und nur der Sarg bleibt allein hier stehen. Ich gehe hin und schaue hinein. Darin liegt sie, mit stark geschminkten Augenbrauen und hochtoupiertem Haar, sie hat Schnitte am Hals. Frankensteins Braut liegt da vor mir, im mit dunkelviolettem Satin ausgeschmückten Sarg. Immortellen liegen ihr in den gefalteten Händen. Gelato tropft, klebrig beginnt es, mir über die Hand zu laufen. Himbeer-Pistaccio. Die Anzugsmänner kommen zurück, wohl nur noch kurz eine Zigarettenpause gehabt. Ich verschwinde wieder hinter meinem Busch. Die muskulösen Männer heben den Deckel auf den Sarg, und Frankensteins Braut verschwindet im Leichenwagen. Das Auto, der Sarg, die Anzugsmänner fahren weg, und die Glocken verstummen. Ich stehe nun allein da, in der Ferne raschelt ein Busch. Die Kirche steht auf einem Hügel, und der ist gesäumt von Grün, unten blaufunkelnd das Meer. Der Himmel beginnt sich schon rosa zu verfärben, und es hat Vögel. Ja, Vögel winden sich in den Lüften, und ich glaube, sie singen, fast so wie Ave-Maria. Das Himbeer-Pistaccio fällt auf den Boden, und ich beginne zu rennen. Ich laufe, so schnell ich kann, den Hügel hinunter. Die Muse Radikal nimmt wieder Besitz von mir. Radikales Rennen, radikales Pfeifen, und meine langen blonden Haare flattern im Wind. Radikal gefiel mir eigentlich nie, bis sie mit mir malte, und jetzt kann ich nicht mehr, kann nicht mehr ohne sie. Ich male sie, und sie nimmt Form an, tanzt und wird ein Schatten. Radikal verschwindet immer dann, wenn das Licht auf sie fällt, und wird zu Staub, wenn der Morgen dämmert. Radikal soll meine Muse sein, doch sie entwindet sich mir und lacht, kringelt sich ein und taucht ab. Radikal lässt sich nicht besitzen. Und doch träume ich doch nur von ihr.

Ich träume und liege nun schwer atmend auf dem feuchten Sand. Liege am Strand, und der Himmel nun bereits orangen, und das Meer schmatzt sanft auf meinen Sand, und ich liege einfach nur da. Um mich zu beruhigen. Um mich herum alles ruhig, nur Schmatzen und vielleicht noch eine Möwe irgendwo. Dann plötzlich, neben dem Schmatzen, ein Platschen. Und ich steh auf, denn ich muss wissen, muss nun plötzlich unbedingt wissen, was das war. Gehe wie in Trance, und meine Füsse hinterlassen Spuren auf dem kalten, feuchten Sand, und ich erreiche das Wasser. Lasse meine Füsse überschmatzen, lasse sie vom Salzwasser umspülen. Das Wasser bricht meine Sicht. Der Himmel nun dunkelrot, und das Wasser ein dunkles Blau, doch da fliesst ein goldener Schimmer. Stromlinienförmig schwimmt er auf mich zu. Zu meinen Füssen hält der Schimmer dann an, und immer noch in Trance knie ich nieder, und durchs Wasser hindurch erblicke ich sie. Da unten, zu meinen Füssen, schwimmt sie, schwimmt meine Muse Radikal.
Die Sonne funkelt ihr zwischen den Hörnern. Sie ist das Licht, und ihre Brüste die Welt, und ich sehe ihr in die Augen, denn die sind gross und ohne Schimmer, und die Muse schaut einfach so zurück. Angesicht zu Angesicht. Oh, Schutzgöttin, verlasse mich nicht. Und ich glaube, ich wurde verführt, radikales Verlangen, und ich steck meinen Kopf in ihr Angesicht, ins Kalte und Nasse, und ich sehe nur verschwommen, doch da erkenne ich die goldene Schwanzflosse. Sie kreist um mich herum. Und da sind Farben, ganz viele, sie glitzern und funkeln, und ein Fisch trägt pinke Schuppen und einen roten Mund. Und ich will ihn fangen, will die Farben haben, greife nach ihm und klatsche dann einfach so hin. Platsche wie ein dicker Fisch ins Wasser, und das Wasser erbebt. Dann Erstarren. Die goldene Schwanzflosse klatscht aufs Wasser, und in den Organismus kommt wieder Leben hinein, er flieht. All meine Farben verschwinden in Sekundenschnelle. Minutenlang treibe ich bewegungslos im Wasser umher. Erst dann richte ich mich langsam wieder auf. Erhebe mich und beginne zu tropfen, tropfe über mich hinab. Der Himmel nun schwarz, und ich ganz allein. Ich starre in die Dunkelheit. Doch da, weit in der Ferne, wackelt ein kleines Licht. Nur schwach, aber ich sehe es deutlich, es leuchtet hier zu mir her. Es wackelt, denn es bewegt sich im Takt von Schritten. Schritte, die kommen näher, kommen auf mich zu, und ich erkenne, sie gehören einer Gestalt. Diese ist gross und mit Buckel, und sie trägt Schrauben in ihrem Hals. Die Gestalt trägt die Laterne und steht dann vor mir still. Wir schauen uns einfach nur an, minutenlang Angesicht zu Angesicht. Dann frag ich zitternd und immer noch tropfend: Möchtest du meine Schutzgöttin sein? Und Frankensteins Augen werden gross, mit Schimmer, dann voller Wasser, und eine Träne rinnt ihm übers Gesicht. Und ich spüre Liebe, und spüre die Träne, sie rinnt auch mir, rinnt mir übers Gesicht. Die Braut ist tot, und die Muse verschwunden, wir zwei alleine, doch wir halten uns fest. Er tropft auf meins, und ich auf das seine und es fühlt sich an, ja fast bisschen so wie Happy End, fast bisschen so wie aus den grossen Geschichten, fast bisschen so Kitsch wie aus dem Hollywoodland.

Text: Clara Graber

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My daughter’s mother tongue

Eine audiovisuelle Installation von

Aurora Pajón Fernández

Die Reise von fünf mehrsprachigen Töchtern begleitet von den Klängen einer Kontrabassflöte.

Eine Hommage an alle Sprachübermittlerinnen.

Vernissage :
Freitag, 31. Januar ab 18 Uhr
Die Installation läuft ab 12Uhr

Öffnungszeiten:
Freitag, 31. Januar : ab 12 Uhr
Samstag, 1. Februar : 12-18 Uhr
Sonntag, 2. Februar : 12-18 Uhr

My daughter’s mother tongue begann als Selbstreflexion über meine eigene Identität durch die Entwicklung meiner Muttersprache und wurde zu einer Hommage an alle Sprachübermittlerinnen. In der Installation sind Erfahrungen von fünf mehrsprachigen Frauen zu hören. Dazu erklingen Aufnahmen der Kontrabassflöte und erscheinen bewegte Bilder aus meinen Reiseerlebnissen.

Aurora Pajón Fernández

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